♥ MIS FAVORITOS DEL CINE MUDO ♥

ORIGENES DE LO QUE HABRÍA DE SER LA PODEROSA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA

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El Cine -<<el séptimo arte>>- existe desde 1890. Las primeras peliculas de la historia, se exibían tal vez en la barraca de un feriante. Aquellas exibiciones ambulantes atraían al público con sus anuncios sobre el marvilloso y excitante espectáculo de las nuevas imágenes animadas. Y desde luego, no los engañaban: el ver sobre una pantalla fotografías en movimiento debió ser para nuestros abuelos una de las experiencias mas sabrosas de su vida. Los años que separan el nacimiento del cine al de la época actual han presenciado un gigantesco desarrollo.

Los primersos cineastas se encontraron con todo un mundo que fotografiar y con todo un mundo que esperaba sus resultados. Los primeros filmes americanos tenían un minuto de duración pero cuando el auditorio empezó a volver la espalda a las peliculas, por gustarles más el teatro, entonces los cineastas comprendieron que para hacer un filme que se pareciese al teratro haría falta un argumento.

Dado que la tradición teatral estaba al alcance de la mano, no es de extrañar que el primer gran innovador en el campo del cine narrativo fuese un hombre de teatro: el director frances Georges Méliè . Sus peliculas se hiciéron sumamente populares en Europa y en América pero el auge del cine naturalista hizo que su estilo perdiese interés.

Iba a ser un americano, Edward Porter, quien señalase inconscientemente los rumbos futuros: un modesto filme << del Oeste >>  asalto y rodeo de un tren, marcó el camino de los cineastas de la época. Aquel filme alcanzó un enorme éxito comercial, centuplicando varias veces sus exiguos costes de producción. Todos los cineastas del mundo le imitáron: los franceses se inspiraron en él para una larga serie de peliculas jocosas de persecuciónes, precursoras  de los famosos keystone cops, totalmente rodados en exteriores.

También en Francia se inició el movimiento film d´art que, si bien, no hizo nada que supusiese un avance en la técnica cinemtrográfica (volvió deliberadamente al teatro para buscar temas y actores) y contribuyó enormemente a elevar la categoría social del cine. Recurriendo a actores tan mundialmene famosos como Sarah Bernhardt    y las obras de Shakespeare o Goethe, el film d´art  presentaba fragmentos o adaptaciones de la mejor litaratura mundial. De ese modo el cine, que hasta entonces había extraído su público de las clases trabajadoras, empezó a atraer a las clases medias.

En 1911 el cine se había convertido en un negocio de envergadura y para cada uno de los países productores de paliculas de tema sencillo, con argumento movidos y mucha acción. Francia se iclinaba mas por lo teatrál y lo cómico mientras que Italia  producía espectaculares escenas históricas. En Alemania y Dinamarca nacian sendas industrias cinematrográficas que más tarde crecerían y desarrollarían con estilo propio : el resto del mundo observaba con creciente avidez.

La Primera Guerra Mundial cambió el aspecto de la industria cinematográfica en rápida evolución: los países europeos pasaron cinco años produciendo casi exclusivamente noticiarios, en tanto que Estados Unidos se apoderaba del puesto supremo indiscutible como primer país productor de peliculas del mundo, un puesto que nunca ha perdido totalmete.

Un antiguo actor, Thomas Ince, paso a ser productor y guionista de cientos de peliculas, casi todas s Westerns, una forma popular que presentaba ante un mundo admirado al vaquero americano convertido en héroe. Mack Sennet, creador de los Keystone Cops, dirigió y escribió los guiones de incontables comedias bufas de un solo rollo; más tarde se pasó a la producción, lo mismo que Ince, supervisando personalmente los equipos de actores, directores y técnicos.

Sin embargo, lo que realmne marcó aquella época fue la aparición de los dos primeros auténticos genios del cine, que, durante un breve periodo, trabajaron en los mismos estudios: David Wark Griffith considerado el creador del modelo americano de representación cinematográfica (o montaje invisible), por lo que fue llamado «El padre del cine moderno»  y el primer gran cómico Charles Chaplin  actor, compositor, productor, director, considerado un símbolo del humorismo y el cine mudo.

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CHARLOT

Un inmortal personaje que fué creado por Charles Chaplin

Actor, compositor, productor y director inglés

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Sir Charles Spenser Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Londres, en el seno de una familia de artistas de variedades. Sus padres se divorciaron cuando todavía era un niño. Conoció la miseria, el hambre y la desgracia. Su padre fue alcohólico y su madre padeció problemas mentales. Pasó largos periodos en orfelinatos antes de iniciarse en el mundo del espectáculo, siendo un niño, en musicales y pantomimas. 

A los catorce años, interpretó el papel de botones Billy en una producción itinerante de Sherlock Holmes. Participó en la gira con varias producciones de la obra siendo reconocido su trabajo, tanto, que cuando se necesitó un Billy para una producción londinense, Chaplin con dieciséis años, fue llamado. En 1907 ingresó en la compañía de “sketch” de comedias de Fred Krano, y en menos de un año se convirtió en la estrella de la compañía realizando una gira por Estados Unidos, país donde dos años después se trasladaría.

En 1913 debutó en el cine, en las películas de la Keystone, de Mack Sennett. En Carreras de autos para niños (o Carreras sofocantes, 1914) actuó por primera vez como el personaje del vagabundo Charlot, con unos anchísimos pantalones, enormes zapatos, bombín y bastón de bambú, papel que interpretaría luego en más de 60 películas, incluida El vagabundo (o Charlot vagabundo, en 1915). Ese mismo año se asoció con la compañía Essanay, después con la Mutual y con la First National, hasta tener sus propios estudios en Hollywood en 1918.

Durante estos años de películas cortas, desarrolló paulatinamente el personaje del vagabundo, pasando del estereotipo del payaso travieso a la figura humana y compasiva que calaría en los espectadores de todo el mundo. Perfeccionó un estilo personal de interpretación, derivado del payaso de circo y del mimo, combinando la elegancia acrobática, la expresividad del gesto y la elocuencia facial, con un sentido del ritmo impecable. En los años 20 llegó el cine sonoro, pero eso no hizo que la efectividad de su pantomima fuera perjudicada. Al mismo tiempo, comenzó a manifestar su preocupación por los problemas sociales de su época. Algún tiempo después dejó el papel del vagabundo para comenzar a interpretar personajes específicos, en una transición que marca El gran dictador, donde ya utiliza plenamente los recursos del sonoro. El enfoque chapliniano combina la sátira y el patetismo melodramático, bajo los que late el amor a la humanidad y a la libertad individual.

Sus películas más destacadas son: El chico (1921), El peregrino (1924), La quimera del oro (1925), El circo (1928), Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936), todas ellas récords sucesivos de taquilla. A éstas siguieron El gran dictador (1940), Monsieur Verdoux (1947), donde aparece por última vez su personaje de Charlot, Candilejas (1952) y Un rey en Nueva York (1957). Aparte dirigió, sin protagonizarlas, Una mujer de París (1923) y La condesa de Hong Kong (1966), donde hace un pequeño papel. También compuso la música de la mayoría de sus películas.

En 1919 creó, con Douglas Fairbanks, Mary Pickford y D.W. Griffith la United Artists Corporation, en la que participaría hasta el año 1952. Escribió dos libros Mi autobiografía (1964) y Mi vida en el cine (1975). A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, Chaplin fue perseguido por el Comité de Actividades Antiamericanas, por su pensamiento político de izquierdas; dejó los Estados Unidos en 1952 para comenzar a vivir en Suiza. En 1972 volvió por un breve periodo de tiempo para recibir varios premios, entre ellos un Oscar honorífico por sus contribuciones a la cinematografía. Chaplin fue nombrado Sir en 1975 a la edad de 85 años por la reina Isabel II.

En 1918, contrajo matrimonio con la actriz Mildred Harris y en 1919, tuvo a su primer hijo, Norman, que sólo vivió tres días. Se divorciaron en 1920. En 1924, se casó con Lita Grey con la que tuvo dos hijos, Charles y Sydney. Lita , le pidió el divorcio y tuvo que indemnizarla con un millón de dólares. En 1941, también se divorció de Paulette Goddard y en 1943 volvió a casarse Oona O’Neill, hija del dramaturgo Eugene O’Neill. Ella tenía 18 años y él 54; tuvieron dos hijos, Geraldine y Michael John. Tres de sus hijos, Josephine, Sydney y Geraldine, también se dedicaron al mundo del espectáculo.

Charlie Chaplin falleció el 25 de diciembre 1977, en Corsier-Sur-Vevey, Suiza.

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BUSTER KEATON

Es el cómico llamado <<cara de piedra>>,

víctima una y otra vez de acontecimientos que escapaban a su control.

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Joseph Francis Keaton, actor estadounidense, nació el 4 de octubre de 1896 en un carro circense en Pickway, (Kansas) población que fue literalmente borrada del mapa asolada por un ciclón. De familia de intérpretes de vodevil de ascendencia escocesa, su vida estuvo vinculada desde el primer momento al mundo del espectáculo, interviniendo en las representaciones de sus padres desde muy niño. Sus padres trabajaban con el famoso prestidigitador Houdini.
A los cuatro años hizo su debut oficial en el mundo del teatro de variedades dando comienzo a una espectacular carrera. Durante una de aquellas representaciones, el pequeño Keaton realiza una caía fuera de programa, que hace exclamar a Houdini: «What a bastard!» y por desviación de la expresión «caída» -en inglés «bust»-, Keaton será llamado desde entonces Buster, que quiere decir acróbata. Así, Keaton, a los 13 años, hacía acrobacias con sus padres, formando un grupo artístico llamado «Los tres Keatons». Siguió trabajando en el espectáculo familiar hasta 1917, año en el que se produjo la disolución del número de vodevil de sus progenitores.

Comenzó su carrera en el teatro, donde se hizo famoso por caer y ser violentamente atacado y no sufrir daño ni rasguño alguno. Con 21 años se introduce en el mundo del cine con  Mac Sentt, realizando una serie de cortos que le convierten en la primera figura de la Metro. Su inexpresivo rostro le dio fama.

Poco tiempo después se produce su encuentro con Roscoe Fatty Arbuckle, uno de los integrantes de los famosos policías de la Keystone. Fatty le propone trabajar en su compañía, la Comique Film, que había creado tras separarse de Mack Sennett y cuyas comedias iban a estar supervisadas y producidas por Joseph Schenck.

En 1917 aparece su primera película, Fatty, asesino, en la que Keaton entra en un almacén justamente cuando los actores principales, Fatty Arbuckle y Al St. John, estaban lanzándose sacos de harina, uno de los cuales acababa impactando en el rostro de Buster Keaton, haciéndolo caer de bruces al suelo. Realizó algunas películas que se han hecho inmortales: “El navegante”, “El cameraman” “El maquinista de la General”, etc.

Con la llegada del sonido a la gran pantalla se inicia la decadencia aunque todavía rueda algunas películas como: “El rey de los cowboys”, “El colegial”, “El héroe del río”, “La comparsa”. Después aparece en papeles secundarios y de menor categoría. Sufrió una crisis nerviosa y fue hospitalizado durante un año. En 1952 reaparece en “Candilejas” con Chaplin en un sketc musical.

Trabaja en el circo de París y en algunas salas de fiestas de las Vegas.

En 1959 le conceden un Oscar especial en reconocimiento a sus aportaciones al Arte Cinematográfico.

Buster Keaton falleció el 1 de febrero de 1966 en Woodland Hills, en Hollywood. Estaba casado desde 1940 con Eleanor Keaton, su tercera esposa. Tenía dos hijos, que le dieron seis nietos. Está enterrado en el Forest Lawn Hollywood Hills de Los Angeles.

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HAROLD LlOYD

Un hombre formal, diligente, activo e inteligente

y totalmente incapaz de hacer nada.

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Harold Clayton Lloyd Director de cine estadounidense Nació el 20 de abril de 1894 en Burchard, Nebraska. Aficionado desde niño al cine, cuando cuenta doce años trabaja como acomodador en el Teatro Orpheon de Omaha. Allí conoce al actor John Lane Connor, director de la Compañía Ambulante Burwood.

En 1907 Connor le dio un papelito en la obra “Tess of the D’Urbevilles”. Cursó estudios en la Escuela de Arte Dramático de San Diego. Después trabaja como figurante y en 1914 comenzó a rodar como estrella los primeros cortometrajes para Hal Roach, con el que colaboró hasta 1923. Después de interpretar personajes de Willie Work y de Lonesome Luke, en 1917 comenzó a ser el célebre “joven con gafas de concha”, imagen que le daría la fama. A menudo representaba verdaderos números acrobáticos ( El hombre mosca, 1923).

Junto a Bebe Daniels y Snub Pollard consiguió al principio gran éxito en numerosos cortometrajes. Tras algún tiempo se pasó al largometraje que continuó interpretando hasta el final de los años treinta. Al final del cine mudo, su creación sufrió un parón.

En 1923 contrajo matrimonio con la actriz Mildred Davis con la que tuvo dos hijos también actores Harold Lloyd Jr. y Gloria Lloyd. En 1919 sufrió un accidente al hacerse una foto publicitaria, lo que le hizo perder una mano.

Está considerado junto a Charles Chaplin y Buster Keaton, como uno de los más importantes comediantes.

Harold Lloyd falleció el 8 de marzo de 1971 a causa de un cáncer en Beverly Hills, California.

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JOSEPHINE BAKER

Del conjunto de “chorus-girls” colocadas en línea, salía disparada, como lanzada por una honda, una adolescente casi desnuda, sin más atuendo que un taparrabos sobre sus caderas: ¡Josefina Baker! su risa cegadora de mulata ensombrecía la luz de los reflectores. Su aparición produjo el flechazo. París se prendó de aquella fuente viva, hirviente, de aquel cráter en erupción de ritmos sincopados. Con su agitación furiosa, sus dislocaciones temerarias, andando a gatas y provocando los paroxismos de un público en delirio

  • Cita sobre Joséphine Baker de Sebastián Gasch, autor de La historia del Music-Hall.

(Freda Josephine McDonald), 3 de junio 1906 en Saint Louis, Missouri – 12 de abril 1975 en París, fue una famosa bailarina y cantante de espectáculos de variedades y cabaret, y también actriz cinematográfica. Después de pasar una prueba en local de vaudeville, empieza a trabajar de forma ininterrumpida en el escenario, y ganó su primer concurso de baile a los 14 años.

Se casó cuando tenía 13 años, pero en 1920, ya se había divorciado y su segundo matrimonio fue con Willie Baker, un guitarrista de blues, de quien tomaría su apellido artístico. En 1921 es bailarina en la revista musical Shuffle Along y, en 1924, en Chocolate Dandies. Actúa en el Cotton Club de Nueva York. Debutó en París el 2 de octubre 1925 con el espectáculo la Revue Nègre, que incluía una orquesta de jazz, dirigida por Claude Hopkins, con la participación de Sidney Bechet. Su exótica forma de bailar, su sexualidad desinhibida y su vestimenta mínima -una falda hecha con plátanos- resultaron más atractivas para los europeos que para los americanos.

Después de una gira por Europa, fue la vedette del Folies Bergère y luego abrió su propio club Chez Joséphine. En 1927 se estrenó su primera película La Sirène des Tropiques, a la que seguirían Zouzou y Princesse Tam Tam. En la segunda mitad de los años 1920 y durante los años 1930 fue además una destacada modelo fotográfica. A comienzos de los años 1930 grabó sus primeros discos, y , al año siguiente, conseguiría un gran éxito con la canción J’ai deux amours.

En 1936 regresó a los Estados Unidos para actuar en Ziegfeld’s Follies con Bob Hope y Fanny Brice. Una parte importante de la opinión pública atacó la promiscuidad del show, y varios hoteles y restaurantes impidieron a la artista su entrada: Finalmente Joséphine abandonó la obra y regresó a París, donde adquirió la ciudadanía francesa al casarse con el magnate del azúcar Jean Lion, que tuvo problemas por ser judío durante la ocupación alemana de Francia.

Durante la segunda guerra mundial, se unió a la resistencia francesa y, posteriormente, fue subteniente auxiliar en las Fuerzas Aéreas Francesas, y levantó la moral de las tropas aliadas, actuando para ellos. También colaboró con la Cruz Roja. Después de la guerra recibió la Medalla de la Resistencia y la Legión de Honor. Volvió a casarse con el director de orquesta Jo Bouillon. Regresó a la actividad artística y trabajó en el circuito de cabarets de París durante varios años, luego fue a Cuba, antes de regresar de nuevo a los Estados Unidos, donde apoyó los movimientos de promoción social afro-americanos. Luego hizo una gira mundial de despedida, y se retiró del mundo del espectáculo.

Adoptó a doce huérfanos de diversos orígenes a quien denominó la tribu del arco iris. Regresó varias veces al escenario por dificultades económicas y también para apoyar el movimiento norteamericano por los derechos civiles, dio cuatro conciertos en el Carnegie Hall, para conseguir fondos para la causa, y participó en la marcha a Washington, en 1963. Por problemas económicos volvió varias veces al escenario, pero también fue ayudada por Grace Kelly, entonces Princesa de Mónaco y amiga personal de la artista. Vivió, con sus hijos adoptivos, en el Castillo de Milandes, en Castelnaud-la-Chapelle (Dordoña, Francia).

Cuando murió, en 1975, era una persona muy querida y respetada, y fue la primera mujer de origen estadounidense en recibir honores militares en sus funerales, celebrados en Francia, aunque su tumba se encuentra en el cementerio de Mónaco.

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LAUREL & HARDY

Una de las parejas cómicas más famosas e importantes de la historia del cine,

conocida popularmente en España como “El Gordo y el Flaco”.

 El británico Stan Laurel y el estadounidense Oliver Hardy consiguieron entrelazar con ingenio las características básicas del cine cómico mudo con el humor propio del sonoro, alcanzando una elevada notoriedad en todo el mundo durante la década de los años 30. Su trayectoria, sin embargo, se retrotrae a muchos años atrás.

Stan Laurel (el flaco), nacido Arthur Stanley Jefferson el 16 de junio de 1890 en Ulverston, Inglaterra, creció en el seno de una familia de actores, y debutó desde muy joven como intérprete y guionista en las tablas británicas.  A comienzos de los años 20, Stan se unió a la compañía de Fred Karno, sustituyendo a un cómico todavía desconocido llamado Charles Chaplin.

Cuando la troupe de Karno, Laurel viajó a los Estados Unidos, en donde adoptó el apellido de Laurel y decidió probar fortuna en el mundo del vodevil y posteriormente en el cine.  Así, logró debutar en 1917 en la película “Nuts in may” (1917).   Ese mismo año coincidió casualmente con Oliver Hardy en el film “Lucky Dog” (1917).  La poca fortuna comercial de sus títulos conllevaron la retirada temporal como actor de Stan a mediados de los años 20, y su incorporación al equipo de Hal Roach como escritor de gags y en ocasiones, como director.
 

Oliver Norvell Hardy era un muchacho rechoncho que había nacido el 18 de enero de 1892 en Harlem, Georgia (Estados Unidos). Su familia era bastante acomodada, ya que su padre era abogado y su madre poseía varios hoteles.  La afición por el teatro y por el canto de Hardy provienen de la contemplación de las diversas actuaciones de cómicos que su madre (el padre falleció cuando Hardy todavía era un niño) contrataba para amenizar los momentos de ocio de sus clientes.  Tras ofrecer algunos espectáculos musicales e inaugurar una sala cinematográfica en Milledgeville, en 1913 Oliver se unió a una compañía interpretativa de Lubin ubicada en el estado de Florida.
 
Después de aparecer como secundario en cientos de títulos apoyando a cómicos de mayor estatus popular como Billy West, en 1926 acabó formando parte de la productora de Hal Roach y del grupete conocido como los Hal Roach Comedy All Stars.  El avispado Roach y uno de sus empleados, el director y guionista Leo McCarey, pronto se dieron cuenta del potencial comercial ofrecido por la extraña y complementaria pareja Laurel & Hardy (uno arrogante y cabreado, el otro timorato y medroso), quienes consiguieron el éxito gracias a títulos como “Duck soup” (1927) de Fred Guiol, “Putting pants on Phillip” (1927) de Clyde Bruckman, “Two tarts” (1928) de James Parrott o “Big Business” (1929) de Leo McCarey y James W. Horne.

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The Jazz Singer conocida como El cantante de jazz o El cantor de jazz es una pelicula de 1927, dirigida por Alan Crosland.

Fué la primera pelicula con diálogos sonoros que utilizó el sistema sonoro “Vitaphone” (grabación de sonido sobre un disco). A partir de ese momento, el cine cambia de manera radical, excepto con algunos directores de cine nostálgicos de un cine mudo que, según ellos, se bastaba a sí mismo. Desde entonces, las comedias musicales se multiplicaron.

Las decas de 1930 y 1940 marcan los grandes días de la Meca del Cina. En los últimos años veinte se introduse definitivamente el sonido en la industra cinematográfica: primero en Hollywood y luego en todo el mundo.

El sonido afectó el género cómico de Hollywood más que a ningun otro. Disminuyó la popularidad de Chaplin, Keaton y Lloyd; sus puestos fueron ocupados por los hermanos Marx, W. C. Fields etc. Chaplin muy en especial, supo intuir que el sonido no era para él; haría Luces de la Ciudad en 1931, todavia muda, mucho después de que el sonido hubiese quedando definitivamene establecido.

Pero los hermanos Marx, formados en la variedades y en el arte del chiste rápido, se hallaban a sus anchas con el cine hablado y los efectos sonoros (aunque no deja de ser interesante Harpo, el mudo, quien siguiese representando el cine cómico tradicional con sus complicados gestos).

Lo que hiciéron los hermanos Marx y muy especialmente Groucho, fue poner cabeza a bajo el sistema holllywoodense. Sus comeidas eran parodias absurdas de las peliculas serias. Sopa de Ganso (1933) fue una gran carictura de la comedia musical centroeuropea, con Groucho en el papel de Rufus T. Firefly, presidente de Fredonia y Chico y Harpo como dos espías absolutamente desastrosos.

También Fields era ya por sí mismo todo un número cómico, salvando con sus gritos y fanfarronadas las situaciones mas adversas en sus mejores peliculas.

Fields y los hermanos Marx fueron ejemplos perfectos de un talento totalmente libre de la disciplina de Hollywood.

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LOS HERMANOS MARX

Inimitables, geniales, surrealistas, iconoclastas, anárquicos, imprevisibles…

Son algunos adjetivos que pueden ser utilizados para calificar las capacidades humorísticas

del mejor equipo cómico que ha proporcionado el cine sonoro: los Hermanos Marx.

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Julius (Groucho), Leonard (Chico), Alfred (Harpo) y Milton (Gummo) eran hijos de inmigrantes alemanes (Sam y Minnie Marx) que procedían de una familia dedicada desde antaño al arte del espectáculo.  Su madre Minnie les incorporó desde su más temprana juventud al negocio del entretenimiento. Primero junto a Mabel O’Donnell (The Three Nightingales), a continuación como “The Six Mascots” y finalmente haciéndose llamar Los Cuatro Hermanos Marx (Gummo fue sustituido después por Herbert “Zeppo”). Sus actuaciones dentro del vodevil causaban sensación allá por donde aparecían. Cantaban, bailaban, tocaban todo tipo de instrumentos y sobre todo ofrecían gags con su peculiar humor.  Estas funciones llegaron a Broadway a principios de los años 20, en donde serían disfrutadas por un número más amplio de espectadores.
El éxito masivo les llegó gracias a las obras “I’ll Say She Is” (1923-25), “The Coconuts” (1925-28) y “Animal Crakers” (1928-1929).  “The Coconuts” fue el primer título en ser llevado al cine para la Paramount bajo el nombre (en España) de “Los Cuatro Cocos” (1929). Los Marx deslumbraron en su primera participación en el celuloide tras haber aparecido previamente en el corto de la Caravel Comedy “Humor Risk” (1926) con sus juegos de palabras, slapstick y humor absurdo.
 
También fueron claramente diferenciadas sus características físicas. Groucho con su falso bigote, su puro y su peculiar forma de moverse en escena. Chico siempre encarnando el papel de inmigrante italiano virtuoso del piano. El “mudo” Harpo con su sombrero de copa, gabardina, rizos pelirrojos, bocina y… arpa. Zeppo era el más pacífico y sereno del grupo.

En los años 30 se estrenaron los mejores trabajos de los Marx, entre ellos “El Conflicto De Los Marx” (1930), película dirigida por Victor Heerman era una magnífica adaptación de “Animal Crackers”; “Pistoleros De Agua Dulce” (1931) y “Plumas De Caballo” (1932) ambas de Norman Z. McLeod y “Sopa De Ganso” (1932) dirigidos por Leo McCarey. Esta película de McCarey fue su último trabajo para la Paramount y también el último en el que intervenía el hermano más joven, Zeppo.

Las locuras (dentro y fuera de la pantalla) de los Marx continuaron con el acompañamiento de la entrañable “hermana Marx” Margaret Dumont.

Tras su triunfante paso por la Paramount, Groucho, Chico y Harpo firmaron un contrato con Irving Thalberg (buen amigo de Chico) para la Metro, glamouroso estudio en el que debutaron con una de sus películas más celebradas, “Una Noche En La Ópera” (1935) continuada por “Un Día En Las Carreras” (1937), memorables títulos dirigidos por Sam Wood.

La desgracia llegó a la producción artística de los Marx cuando su mentor en la Metro, Irving Thalberg, falleció dejando huérfanos en el estudio a los hermanísimos.

Aún así sus siguientes películas contienen momentos extraordinarios que han sido injustamente menospreciados. “El Hotel De Los Líos” (1938) de William A. Seiter, “Una Tarde En El Circo” (1939) y “Los Hermanos Marx En El Oeste” (1940) de Edward Buzzell, “Tienda De Locos” (1941) de Charles Riesner, “Una Noche En Casablanca” (1946) de Archie Mayo y su último film en el que aparecía muy brevemente Marilyn Monroe, “Amor En Conserva” (1949) dirigido por David Miller, son películas muy disfrutables simplemente por contener a estos tres genios en sus encuadres.

Posteriormente continuaron sus diferentes carreras (aparecieron en “The Story Of Mankind”) con notable éxito en diferentes medios como televisión, radio, teatro, literatura y música.

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